En
los años 90 del pasado siglo, un grupo de artistas jóvenes en el
Reino Unido revolucionó el mundo del arte. Muchos de aquellos
creadores habían nacido en los años 60; se da también la
circunstancia de que aquellos artistas que, en un principio, no
tenían pertenencia a ningún movimiento artístico, en su mayoría
tenían un nexo de unión: habían cursado estudios en el londinense
Goldsmith
Collegue
y se habían graduado en la promoción del 88. Fueron los jóvenes
artistas de “la
clase”.
Quizá aquellos jóvenes interiorizaron aquello que se impartía en
aquella
famosa aula
de no dividir las disciplinas artísticas en categorías. Aquellos
estudiantes fueron invitados a conocer y trabajar con técnicas
mixtas; ellos, los estudiantes, no solo dieron rienda suelta a su
imaginación, también buscaron los medios para hacer llegar sus
obras al público.
Fue
así como, en el 1988, el entonces joven de 23 años, Damien
Hirst,
que cursaba estudios de segundo en el Goldsmiths,
organizó la exposición Freeze.
Y
aquella convocatoria artística fue visitada por Charles
Saatchi,
coleccionista
y
comisario
de arte que años después, concretamente en 1992, expuso en una gran
nave de miles de metros cuadrados las obras que formaron parte de
Freeze.
Aquella
exposición tuvo por nombre «Jóvenes
artistas británicos».
Años
después, varios de aquellos artistas, concretamente siete, son
miembros de la
Royal Academy,
y otros, como Damien
Hirst,
han ganado el prestigioso premio Turner;
por
cierto, lo ganó con su obra: Mother
and Child Divided,
una obra donde el artista muestra dentro de dos urnas transparentes a
una vaca y un ternero cortados por la mitad y conservados en formol.
El artista en estas obra y en otras parecidas no hace una
representación del cuerpo, lo muestra; pone al espectador delante de
la muerte.
En
1991 muestra la que sería su primera obra de esta serie: “La
imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo”,
que
era en sí misma el
cadáver
de un
tiburón
dentro de una urna transparente con formol. Entonces, aunque estuvo
nominado, no recibió el premio Turner.
También
fue polémica la obra titulada The
Incredible Journey
(El viaje increíble), donde el animal exhibido, con la técnica de
los anteriores, era una cebra.
En
la misma línea creativa, el autor nos muestra la obra:
El
becerro dorado,
en ella nos presenta a un toro en formol, con cuernos y pezuñas de
oro y que fue vendido por 11 millones de euros en 2008.
Y
otra obra suya que utiliza animales muertos se llama Cock
and Bull;
es un toro y sobre él un gallo, ambos conservados en formol en una
urna transparente. La obra se instaló, en 2012, en un restaurante
londinense.
Y
si el artista decidió sumergir en formol animales como toros,
tiburones, cerdos gallos
y
cebras, también buscó innovar con otra técnica que volvió a
enfurecer a los defensores de los derechos de los animales. Esto lo
hizo con la obra titulada "In
and Out of Love"
(Dentro y fuera del amor), en la que se estima que murieron alrededor
de 9.000 mariposas. La obra consistía en un espacio dividido en dos
salas: en una de ellas, se podían observar las mariposas durante su
ciclo vital, desde el momento en que comienzan a vivir hasta que
mueren. Eran mariposas que volaban libres, que se posaban en las
paredes, sobre una mesa o sobre la cámara fotográfica de algún
visitante. En la otra sala las mariposas ya no volaban; una vez
muertas, el artista las había pegado sobre lienzos. En una de las
salas, plantas, frutas y agua azucarada, vuelos y vida; en la otra
sala, ceniceros rebosando de colillas y lienzos con muerte.
Al
margen del éxito de sus animales en formol, otro trabajo que puede
causar asombro es el titulado como The
Abyss (El
Abismo), donde se colocaron sobre una estantería 8.500 colillas de
cigarrillos. Aunque, a mi parecer, lo más asombroso es que la obra
se vendiera por 3 millones de dólares.
Y
en esa línea está la instalación de Pharmacy
(Farmacia), donde se reproduce una farmacia con estanterías llenas
de cientos
y cientos de medicamentos
variados.
Su
obra: For
the love of God, le
ha convertido en el artista vivo con la obra más cara. Por cierto,
el título de la obra, que en castellano se traduce como:
Por amor de Dios,
parece ser que era la frase que utilizaba su madre cuando le
preguntaba por sus creaciones, al menos eso contó el artista. Aquel
cráneo humano, de un varón de unos 35 años y que vivió en el
siglo XVIII, fue recubierto por Hirst
por placas de titanio donde incrustó miles de diamantes;
concretamente, la cifra superaba los 8.000. La obra se vendió en la
primera década de los años 2000 por la nada despreciable cifra de
22 millones de euros. Sin embargo, parece que aquella venta no fue
una operación comercial convencional. Se mencionó que la obra fue
adquirida por un consorcio que incluía al propio artista, su
marchante de entonces, Jay
Hopling,
y algunos otros socios, y que el importe final fue algo menor al que
se había anunciado.
Y
claro, si nos alejamos de estas obras polémicas, por el uso de
cadáveres, tenemos otras como su serie de círculos de varios
colores, Spot
Paintings. Aquí
el artista nos muestra obras donde el lienzo en blanco recibe en sus
esquinas círculos de colores variados, o bien gran cantidad de
pequeños círculos coloridos, bien perfectamente alineados o, por el
contrario, en completo desorden.
Toca
decir que en nuestro país es difícil ver la obra de Hirst, salvo
excepciones de alguna galería o ferias como ARCO, pero desde ya nos
queda el Museo Guggenheim de Bilbao, donde ya se puede admirar la
obra:
The Asthmatic Escaped (1992);
una de sus
famosas vitrinas, donde Hirst coloca objetos tan cotidianos como ropa
e incluso un inhalador… Ana
Pose
